Con 9 nominaciones al Oscar, la película de Josh Safdie, que finalmente se estrena en España, ha hecho historia al convertir a Timothée Chalamet en el actor más joven desde Marlon Brando en conseguir tres nominaciones como Mejor Actor (tras sus menciones por Call Me By Your Name y A Complete Unknown).
Josh Safdie tomó las riendas de Marty Supreme, lo que marcó un cambio significativo al ser su primer proyecto como director en solitario tras años de trabajo junto a su hermano. Esta producción de A24, con un presupuesto considerable de 70 millones de dólares, fue coescrita con su habitual socio creativo, Ronald Bronstein. La película captura una versión estilizada y arriesgada de la escena del tenis de mesa de los años 50, centrándose en el personaje de Marty Mauser. Él y el coguionista Ronald Bronstein vieron la película como un estudio del «sueño americano» en su forma más extrema.
La idea de la película surgió en 2018 cuando la esposa de Josh Safdie le regaló un ejemplar de las memorias de Marty Reisman de 1974, The Money Player: The Confessions of America’s Greatest Table Tennis Champion and Hustler. Timothée Chalamet encabeza el reparto como el titular, un papel para el que se preparó practicando ping-pong durante años, incluso teniendo una mesa en su propia casa para dominar el estilo de juego específico de los años 50. Safdie ha comparado los movimientos de Chalamet sobre la mesa con los de un bailarín de ballet, concretamente con los de Mikhail Baryshnikov, señalando que el actor aprendía sus combates como si fueran complejas rutinas de baile. En entrevistas, Chalamet ha hablado de cómo se identificó con el enfoque singular de Marty, comparando la ambición obsesiva del personaje con su propia experiencia desenvolviéndose en Hollywood a principios de sus veinte años.
Le acompaña un reparto secundario increíblemente ecléctico que incluye a Gwyneth Paltrow como una adinerada socialité, Kevin O’Leary de Shark Tank como un magnate despiadado y Tyler The Creator en su debut cinematográfico. Incluso el legendario director Abel Ferrara y la estrella de The Nanny, Fran Drescher, hacen apariciones, creando un elenco tan excéntrico como los personajes del Lower East Side de los que Safdie oyó hablar de niño. El interés de Safdie por este deporte también se vio influenciado por su propia historia familiar; sus abuelos solían recibir a «personajes excéntricos» del Lower East Side para jugar al ping-pong en su casa.
Para capturar la auténtica atmósfera del Manhattan de mediados de siglo, la producción se apoderó de Orchard Street en el Lower East Side, eliminando la señalización moderna y llenando las calles de coches clásicos y escaparates históricos. El paisaje sonoro de la película es igualmente distintivo, con música de Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never). Si bien la ambientación es histórica, la banda sonora utiliza música pop de los 80 para reflejar la personalidad vanguardista y obsesiva del protagonista. La propia banda sonora de Lopatin utiliza sonidos de percusión, como marimbas, para imitar el rítmico «clack» de un partido de ping-pong. Safdie explicó en varias sesiones de preguntas y respuestas que quería que la película pareciera narrada desde la perspectiva de un Marty mayor en la década de 1980 Safdie compartió detalles técnicos sobre su proceso de casting, mencionando que buscó «rostros atemporales» para los extras de fondo para asegurar que la ambientación de época pareciera auténtica, incluso al usar intencionalmente música anacrónica de los 80 para capturar la energía «futurista» de Marty.
En entrevistas, Safdie y Chalamet han descrito la película como una exploración del «sentimiento de vacío» que acompaña a la búsqueda incansable de un sueño. Safdie explicó que la película no es una película biográfica tradicional; más bien, utiliza el mundo del tenis de mesa para examinar la soledad de ser un «inadaptado» que logra imponerse a un escenario mundial. La película se estrenó con gran éxito de crítica en el Festival de Cine de Nueva York de 2025, donde los críticos elogiaron la «magnética volatilidad» de Chalamet y la «seductora y entrecortada» banda sonora electrónica de Lopatin.
La recepción crítica ha sido abrumadoramente entusiasta, con un consenso centrado en la cinética y estremecedora dirección en solitario de Josh Safdie y en lo que muchos describen como una actuación que definió la carrera de Timothée Chalamet. Los críticos de The Guardian y Variety elogiaron la película como una «obra maestra» y un «alegre homenaje a la hermosa cacofonía de la vida», elogiando específicamente la forma en que captura el ajetreo estadounidense de la posguerra a través de una lente «hiperactiva». Robbie Collin (The Telegraph) incluso notó una reacción física, afirmando que los 150 minutos de duración lo dejaron «vibrando como un diapasón». Si bien la gran mayoría de las reseñas le otorgaron a la película una banda sonora perfecta o casi perfecta, destacando su ritmo trepidante y la exquisita y anacrónica banda sonora de sintetizador de los 80 de Daniel Lopatin, surgió una pequeña discrepancia entre los críticos de TheWrap, Movie Nation y Time. Estas reseñas argumentaron que la película era más agotadora que gratificante, siendo The Boston Globe y Time los más duros, criticando la falta de un núcleo emocional y describiendo al protagonista como una figura insufrible, redimida por un final sensiblero y sentimental.
